WHERE THE WILD THINGS ARE

Hace algún tiempo que me vengo encontrando en diferentes webs que ojeo a diario unas imágenes de carteles de lo que parece una película de ciencia ficción con la silueta de un niño disfrazado "a lo lain" y un "monstruo" caminando a su lado que me han llamado muchisimo la atención. A mi cabeza llegaban ecos de "la historia interminable", las pelis de jim henson e incluso alguna de las imágenes me recordaba al cartel de una de las últimas películas de la saga de "star wars". Algo que parece una mezcla entre personajes reales y otros generados por ordenador, con una apariencia de película infantil pero con algo inquietante y perturbador no apto para tan niños.




La película es un proyecto que lleva en proceso de producción desde el año 2000 y que finalmente se estrenará a finales de este 2009 y se titula "where the wild things are". Es una adaptación de un cuento para niños de mismo título escrito por maurice sendak. Detrás de todo este embrollo está la figura de spike jonze, conocido por sus videos musicales para gente como sonic youth, breeders, chemical brothers y beastie boys; así como por sus filmes con guión del magnifico charlie kaufman, "being john malkovich" y "adaptation".

Además de la preciosidad de todas las imágenes y carteles promocionales que he visto de la película ... cautivadoras a todos los niveles. El flechazo final se produce con el último trailer que he visto ... en el que definitivamente comprobé que se trata de un film que mezcla imagen real con efectos generados por ordenador sobre todo para "las caras" de los monstruos, aunque sean actores reales disfrazados con cartón pluma y muchos de los decorados sean reales pero con ese aspecto "casero" que tanto les gusta a spike o a su amigo michel gondry. Y la elección musical para el trailer ... que es lo que realmente hace a este video una mini obra maestra. Tendremos que esperar hasta octubre para ver el resultado completo.




TÍTULO: Donde viven los Monstruos
TÍTULO ORIGINAL: Where the Wild Things Are
DIRECTOR: Spike Jonze
REPARTO: Benicio Del Toro, Michael Berry Jr., Paul Dano, Tom Noonan, Catherine O'Hara, Forest Whitaker ,Michelle Williams

LES HAUTES SOLITUDES

llevo muchos años intentando ver de alguna manera o conseguir una "película" maldita y desechada por su autor pero de la que tengo la esperanza de que sea una joya o una rareza digna de estudio.

Les Hautes Solitudes de Philippe Garrel, producción casera del año 74 protagonizada por Jean Seberg y Nico es el film. Una película rodada en blanco y negro y que finalmente se estrenó también sin sonido aunque originariamente lo tenía y que había sido grabada en 16 y 8mm sin ninguna producción y a modo de film casero y familiar.

Debido a las particulares relaciones que ha tenido y tiene philippe garrel con sus películas y su vida entre finales de los sesenta y finales de los setenta por culpa de su adición a las drogas y su presunta "locura", se hacía imposible o más bien philippe estaba empeñado en que sus filmes de esos años no fuesen comercializados en ningún formato y que muchos de ellos tampoco se pudiesen exhibir en salas especializadas.

ahora, navegando por internet me he topado literalmente con una copia de esta película que ha sido colgada en una web sobre cine y video y me permite la posibilidad de que enlace el video directamente para que todos podamos ver esta joya, un filme de 80 minutos de duración, sin sonido y en blanco y negro, pero con el atractivo que tiene al saberse que está "prohibida" o repudiada por su autor y que sus protagonistas son ya mitos que de una manera u otra nosotros adoramos y que por cuestiones vitales acabaron con sus vidas en circunstancias muy particulares y con alguna que otra incognita.

seguramente muchos de vosotros no tengáis el ánimo y las ganas de verla completa pero si os emplazo a que le echeis un vistazo ... porque creo que merece la pena ...





DIRECTOR, GUIÓN, PRODUCCIÓN, FOTOGRAFÍA, MONTAJE: Philippe Garrel
INTÉRPRETES: Jean Seberg, Nico, Tina Aumont, Laurent Terzieff
DURACIÓN: 80 m.
PAIS: Francia
AÑO: 1974

fuente (por si no se puede visualizar bien en todos los navegadores a través del blog):
http://www.ubu.com/film/garrel_solitudes.html

CIGARETTE IN YOUR BED

LA NOTTE

le toca el turno a la notte. un clásico de michelangelo antonioni que referenciamos en el feedback y hoy recuperamos para que todos podais volver a disfrutarlo,además ahora ya está editado en dvd en españa y será más facil que todos podamos hacer una revisión de esta gran película que tanto impacto causo en su momento y que ahonda en lo profundo de los sentimientos y las interioridades humanas.

la notte y algunas cuestiones sobre la incomunicación humana

"En 1960, año en que se rodó esta película, Michelangelo Antonioni gozaba de cierto prestigio, todavía, entre la crítica y el público más exigente europeo. No era Fellini , al que todo el mundo adoraba desde "La Strada" , pero no se trataba de un muchacho cualquiera que hacía películillas. Gracias a esta popularidad ganada a pulso ese mismo año en el festival de Cannes con su anterior película "L'avventura" , abucheada y vitoreada a partes iguales, y después respaldada mayoritariamente por los cineastas e intelectuales incluso con una carta abierta promovida por su maestro Roberto Rosellini que le sirvió para acabar llevándose el Premio Especial del Jurado y el prestigio suficiente para poder trabajar con las dos estrellas emergentes del cine europeo y a la postre, desde mi punto de vista siempre muy subjetivo y afectuoso, del cine mundial. Hablo de los protagonistas del filme "La Notte" , Marcello Mastroianni y Jeanne Moreau . Dos grandes mitos y actores superlativos, Marcello venía de protagonizar la obra maestra de Fellini “La Dolce Vita” y la Moreau acababa de ser la amante despechada en dos de las mejores obras de Louis Malle , “Ascenseur pour l'echafaud” y “Les Amants” .

El argumento de “La notte” se sustenta sobre una serie de temas fundamentales en el cine de Antonioni , la incomunicación de los seres humanos, el dominio de lo urbano, la fidelidad en la pareja, la deshumanización de los entornos, ...

A través de dos figuras contrapuestas, Lidia y Giovanni, la pareja casada pero sin hijos que se siente insatisfecha tanto en su matrimonio como en su vida laboral, aunque tanto ella como él, aparentemente, no lo demuestren y su vida transcurra de manera relajada, fluída e incluso plena de éxito. Así, la película comienza con el reconocimiento de Giovanni como escritor superventas. Un hombre de carácter débil, proclive a la tentación de la infidelidad e insconciente de la situación de crisis que asola su matrimonio. Un personaje interpretado por Mastroianni en un registro algo alejado de su habitual en otras películas italianas, pero sí con un punto muy importante de seducción, aunque con total ausencia de malicia, pero no por ello menos culpable de lo que le ocurre a su vida.



Antonioni en su atracción hacia el género femenino y su total identificación con ese sexo, dota a la mayoría de personajes masculinos de sus películas un carácter de secundarios en su paso por la vida, de ignorantes en manos del azar y de ciegos frente a las realidades y cuestiones básicas de la existencia. En un juego de contraposición a las mujeres, superconscientes, ultrasensibles a todos los avatares de la existencia hasta llegar al tema fundamental de la incomunicación. Incapacidad de comunicación. Dos personas, dos mundos, dos visiones. El hombre que sólo ve lo superficial y para el que una casa es una casa. Y la mujer omnisciente que observa todo, que ve como una casa se puede convertir en una opresión gigante.



Lidia, genialmente interpretada por Jeanne Moreau , es el prototipo de heroína del mundo de Antonioni. Una mujer fuerte, consciente desde el primer momento de la situación que atraviesa y profundamente dolida por el desarrollo de los acontecimientos. El director nos la muestra, ya al principio, en un plano agobiante casi aéreo, diminuta entre rascacielos, encerrada en un laberinto de cemento que son los edificios de una urbanización moderna, metáfora clara de su aislamiento y agobio existencial, en su vida tranquila de mujer casada sin hijos ni preocupaciones aparentes, pero también sin el apoyo de un marido casi siempre ausente y que por su trabajo, posición social o lo que sea, no es el marido que a ella le gustaría o soñara.

Pero, ¿qué es lo que hace importante a esta película? “La notte” pertenece a una trilogía formada por la anterior “L'avventura” y cerrada por la siguiente “L'eclisse”, llamada trilogía de la incomunicación, que con la posterior “Il deserto rosso” conforman el nucleo fuerte de la filmografía de Michelangelo Antonioni y están dedicadas sin discusión a la MUJER. Ya que ella, sus personajes femeninos tan bien interpretados por Jeanne Moreau o, casi siempre, por su musa Monica Vitti , son las observadoras de la realidad que interesa a Antonioni, son los ojos y la voz del propio director, y reflejan sus inquietudes y sus inclinaciones. Revelándose como personajes que contemplan el entorno, que la mayoría de las veces les es hostil. Fábricas, rascacielos, maquinas, la idea de deshumanización y de avance de la civilización que tanto atraía a Antonioni y que tanto rechazaba y le asustaba.



Así, Marcello puede caminar distraido por las calles laberínticas repletas de rascacielos e incluso comunicarse con ellos y los que allí habitan, ignorante como quien camina por un decorado. Y Jeanne , en el personaje de su mujer, no puede dejar de sentirse minimizada y casi pisoteada por ese entorno, que no puede dejar de contemplar. Incluso el director muchas veces nos muestra su visión del mundo desde las espaldas de Lidia, sin la expresión de su cara, sin ver claramente sus emociones, sólo los objetos que ella observa; que desde ese momento adquirirán los sentimientos que el director quiere expresarnos. En unos planos que ya, para algunos, se han hecho famosos y que se contraponen a los más míticos todavía planos de Ingmar Bergman de los rostros de sus actrices formando ángulos y ocupando en primer plano toda la pantalla. Algún crítico, en su momento, comentó a raíz de este tipo de planos de las espaldas de la protagonista algo así como: “¿Cómo vamos a entender lo que le ocurre al personaje de Lidia si en ningún momento podemos ver su rostro?”. Esto es, claramente, una exageración, pero sí es cierto que lo que interesaba reflejar a Antonioni o lo que buscaba era que las emociones, el aburrimiento o la ambigüedad fuesen lo único expresable físicamente por sus personajes o actores, a través de la expresión facial y sus gestos corporales. Y que chocase con la puesta en ecena, usando los dialogos para ocultar los verdaderos pensamientos, que nunca serían plenamente revelados, y que cada espectador tendría que rebuscar en sí mismo y decidir cuales serían. Quitando su propia conclusión de los acontecimientos vistos en la película. Sumado todo esto al hecho de que estos acontecimientos son expuestos en un orden aleatorio y con saltos temporales indefinidos entre ellos. Rasgo definitorio del estilo Antonioni. Toda la película se compone de escenas separadas temporalmente, y aunque transcurre todo en un sólo día y toda su noche, no tenemos constancia intencionadamente por parte del director, del tiempo transcurrido entre escena y escena. Además de carecer de aparentes nexos de unión entre ellas, a no ser de la presencia de los actores protagonistas. Vemos así, al principio de la película, al autor firmando libros en un acontecimiento social, luego una escena en una visita a un amigo enfermo a un hospital, a continuación un paseo largo y pesado de la mujer que transcurre de lo nuevo y urbano, a lo viejo y añorado del pasado. Para después entrar en una fiesta nocturna que actuará de catalizador de muchos de los sentimientos ocultos en los personajes y que nos llevará a un desenlace al amanecer de esa noche que nos conmoverá o nos dejará indiferentes, dependiendo de nuestro grado de implicación en las imágenes que el maestro Antonioni nos propone.

GUILLERMO ARIAS (septiembre 2004)"

enlace al artículo original en elfeedback-zine: la notte

ALGO REALMENTE NUEVO: EMPEZANDO DESDE EL PRINCIPIO

He encontrado un artículo muy bueno de Miguel Marías, que originalmente escribió en ingles para la revista undercurrent en octubre de 2005 y que posteriormente tradujo al castellano Susana Antón y que versa sobre la figura del cineasta José Luis Guerín.

Os pongo a continuación un extracto del artículo completo que podreis leer en el siguiente enlace: BLOGS&DOCS

"Il faut recommencer de zéro. J.L.Godard (hacia 1966)

Para poder ser claro, permítanme que les cuente tres historias en apariencia inconexas.

En 1983 sonó mi teléfono. Un hombre joven del que nunca antes había oído hablar, José Luis Guerín, que resultó tener - entonces - 23 años y vivía en Barcelona, iba a tener en Madrid una especie de preestreno de su primer largometraje, y quería que yo se lo presentara. Le dije que primero lo tenía que ver y me tenía que gustar lo suficiente. Y eso fue lo que ocurrió (ambas cosas) unos días más tarde. Tras aceptar su propuesta, le pregunté por qué había pensado en mí para la presentación. Él me contestó que había leído algunas críticas mías que le habían gustado. En especial una, hacía unos nueve años, sobre Lancelot du Lac de Bresson. Aquello despertó mi curiosidad todavía más: ya había detectado algunos rasgos bressonianos en su película Los motivos de Berta, y precisamente aquella película de Bresson había gustado a poca gente (y él tenía 14 años en aquella época). Así empezó una de las nuestras por lo general esporádicas pero muy prolongadas conversaciones que siempre le hacen llegar tarde a alguna cita (todavía me siento culpable al recordar que una vez hice esperar un buen rato a Marcel Hanoun). Ya entonces resultaba inusitado que alguien tan joven hablara de Flaherty, Griffith y Dovzhenko como si fueran sus contemporáneos, lo mismo que Godard, Eustache o Garrel, que tampoco eran muy populares o conocidos entre los cinéfilos o directores de cine españoles de principios de los años ochenta.

Guerín era, sin lugar a dudas, un caso aparte. Y no sólo cumplió lo que prometía su primer largometraje, sino que lo ha superado una y otra vez. Rodó Innisfree (1990) en Irlanda, en inglés y galés, acerca de los recuerdos que el rodaje de The Quiet Man (1952) de John Ford dejó en Cong, County Mayo. En 1996, rodó Tren de sombras Le Spectre de La Thuit en Francia. Prácticamente sin diálogo, se trata de una fascinante investigación que parte de una película familiar “encontrada” (en realidad, rodada por el propio Guerín). En 2000 rodó por fin en su ciudad natal, Barcelona. El resultado fue En construcción, un documental muy personal, ganador de un gran número de premios y responsable de que Guerín se haya convertido en una figura relativamente conocida. Parece - eso dice Guerín - que he sido el primer espectador de cada una de sus películas, aunque debo aclarar (ya que la gente se pregunta al ver mi nombre en el apartado de agradecimientos de los créditos finales de En construcción) que lo único que he hecho ha sido animarle y apoyarle a la hora de resistirse ante quienes querían que acortara su película, algo que la hubiera empobrecido, además de dañar su prodigioso ritmo. Desde entonces, ha continuado dando clases y seminarios, animando a los más jóvenes a hacer películas no convencionales, y ha estado muy ocupado preparando una nueva película (La ville de Sylvia o En la ciudad de Sylvia que actualmente está montando). (1)

En un cine de tamaño medio como el español, que no es realmente una industria sino una mezcla no siempre armoniosa de microempresas y artesanado individual, las únicas películas verdaderamente originales, ambiciosas e interesantes provienen de un menguante grupo de cineastas independientes con la dedicación suficiente como para afrontar largas temporadas de inactividad forzosa, frustración e incluso pobreza. Siguen pensando que el cine podría ser un arte e intentan hacer algo al respecto. La reticente “figura paterna” o ejemplo de la mayor parte de las jóvenes promesas del cine es, por supuesto, Víctor Erice, y asumen el riesgo de hacer casi tan pocas películas como él. Hay temporadas mejores y peores en un cine tan frágil como el nuestro, según cuantos de estos cineastas consigan hacer algo (aunque sea un cortometraje), pero en mi opinión y a pesar del consenso oficial, corporativo o complaciente de la mayor parte de los críticos y directores de cine, y del deprimente éxito taquillero de algunas de las peores películas, la del 2005 fue una cosecha muy pobre. Y, coherentemente, la mejor película del año es una que no existe.

Por supuesto, existe, ya que la he visto catorce veces, en tres versiones diferentes por lo menos. Lo que ocurre es que no existe a nivel oficial o administrativo: el Ministerio de Cultura no tiene conocimiento de ella, no la ha “calificado” ni “registrado” y, por eso, no aparecerá en el Catálogo del Cine Español 2005. (Ni en el del 2006 tampoco). Nunca se ha mostrado en público Conseguí, tras mucho insistir, que Guerín se la enseñara en privado a unos pocos amigos, pero, hasta el momento, se ha negado a que la viera nadie de un festival. La discutible justificación que da es que realmente no se trata de una película, sino, más bien, de una especie de anteproyecto fotográfico de un (entonces) futuro largometraje. Largo que quería rodar en celuloide 35mm (al final tuvo que ser en 16mm), en lugar de con una pequeña cámara de video digital de baja definición y, en gran parte, también con una cámara fotográfica digital; en color (el “prototipo” es en blanco y negro, ya que Guerín eligió esa opción); con (poquísimo) diálogo, sonidos y música (en lugar de ser totalmente muda, que es como yo creo que, en todo caso, Unas fotos… debería ser); naturalmente sin rótulos o intertítulos (mientras que Unas fotos… es una película que hay que leer, pues una parte vital de la experiencia que supone consiste en ver aparecer las palabras en pantalla, como en algunas de las últimas películas de Godard); y con un movimiento completamente normal (en la maqueta, parece casi La Jetée hecha largometraje, ya que la mayor parte de las imágenes son fotos fijas; tan sólo hay, de forma ocasional, algunos movimientos ligeros, breves, más bien tentativos, algo así como en algunas películas de Godard a partir de Sauve qui peut [La vie]); ah, y con actores, cosa que apenas sucede en la filmografía de Guerín desde Los motivos de Berta (mientras que en el supuesto “borrador”, obviamente, no hay actor alguno)..."

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MAYO DEL 68: JEAN-LUC GODARD Y EL GRUPO DZIGA VERTOV

Intermedio quiere celebrar el 40 aniversario de la revuelta de Mayo del ‘68 presentando, por primera vez a nivel mundial en DVD, una etapa esencial de la filmografía del cineasta más importante del cine moderno: Jean-Luc Godard. Dicha etapa, comprende los años 1968 a 1974, periodo de militancia maoísta que se radicalizará tras la huelga general del Mayo francés. Junto a Jean-Pierre Gorin, su interlocutor privilegiado en este periodo, forman el Grupo Dziga Vertov, eliminando cualquier vestigio de autoría y de títulos de créditos de sus films, para poner en escena auténticos artefactos de militancia política radical que pretendían subvertir el cine desde sus cimientos y abonar el terreno para la revolución que habría de venir. Godard se alejaría de las formas que hicieron de él el cineasta más famoso de la Nouvelle Vague, para ensayar una auténtica pedagogía de la revolución estética e ideológica.



Características del DVD:

* Contenido: 5 Discos.
o Libro de 64 Páginas con cronología del Grupo Dziga Vertov, por Manuel Asín.
* Imagen: 1.33:1 4/3.
* Audio: Dolby Digital 2.0 Mono Francés.
* Subtítulos: Castellano.

Incluye:



Disco 1

* Un Film Comme les Autres (Una Película como Cualquier Otra)
Jean-luc Godard recupera las imágenes de archivo de las revueltas estudiantiles de mayo del 68, filmadas por el grupo militante arc en parís, para montarlas junto a las discusiones entre tres estudiantes de la universidad de nanterre y dos obreros de la fábrica renault.

* British Sounds
Imágenes y sonidos de la cadena de montaje de la british motor co., un presentador de tv, estudiantes de essex haciendo posters de izquierdas, un grupo de militantes obreros marxistas ... jean-luc godard construye un film político en el que estudia las condiciones de trabajo de la clase obrera en gran bretaña y de las posibles vías revolucionarias de ésta para derrocar a la clase dirigente.




Disco 2

* Pravda
El término ruso 'pravda' significa 'verdad' y es también el nombre del periódico oficial de la urss. el grupo dziga vertov parte de este doble sentido para, con imágenes de checoslovaquia poner de manifiesto cómo las imágenes y los sonidos pueden mentir al espectador y probar, asimismo, que el capitalismo todavía está fuertemente presente en los países del este.

* Vent D’Est
encargado por un mecenas a un amplio colectivo, vent d'est fue realizado por godard y gorin, y supuso una suerte de 'manifesto' fundador del grupo dziga vertov. las estructuras, los clichés y los estereotipos del western tradicional, sirven de coartada para una reflexión sobre la lucha de clases y la desestimación del cine burgués.


Disco 3

* Luttes En Italie (Luchas en Italia)
este film analiza la evolución de una joven militante marxista y las contradicciones entre la idelogia marxista y la idelogía burguesa que existen en su vida cotidiana. una voz en off, verdadera voz de la conciencia política, examina minuciosamente las condiciones de vida de esta joven.

* Vladimir Et Rosa (Vladimir y Rosa)
en 1969, ocho militantes norteamericanos fueron acusados de 'conspiracion para provocar la revolucion' y juzgados en el proceso conocido como el juicio de los 'ocho de chicago'. aquí godard hace una recontrucción paródica del juicio cuyo juez lleva por nombre ernest adolf himmler y dibuja sobre revistas de playboy en lugar de escuchar a los acusados... una sorprendente mezcla de cine político y farsa que hace una caricatura de la justicia aburguesada y corrupta.



Disco 4

* 1Pm (One Parallel Movie)
film rodado con d.a pennebaker y finalizado en 1971. el film fue rechado
por godard después del visionado de material en bruto. la película es un retrato de la escena política radical norteamericana centrada en el rechazo de la guerra del vietnam.

* Schick
godard y gorin, según el ventajoso contrato firmado con la agencia de publicidad dupuy compton, de la que cobraban un salario, estaban obligados a proponer un proyecto por un mes y entregar al menos un film publicitario al año. para schick, obtuvieron el presupuesto para pagar a todo el equipo durante una semana, si bien el rodaje sólo les llevó media jornada.



Disco 5

* Letter to Jane: An Investigation About a Still
a partir de una foto de jane fonda publicada en l'expres en la que la actriz norteamericana aparece retratada en hanoi junto a dos vietnamitas, godard y gorin denuncian la hipocresía y falsedad de los medios de comunicación de masas.

* Ici et Ailleurs
rodado en palestina con armand marco en la primavera de 1970, el film quedó inacabado. en él godard hace un retrato desencantado de la etapa militante del grupo.

Contenido Extra:

* "Manifiesto" de Al Fatah, por Jean-Luc Godard.
* "Cálculo, Escritura, Información", por Gonzalo de Lucas.
* Filmografía Y bibliografía del Grupo Dziga Vertov.

Otros datos de interés:

* Título original: Un film comme les autres + British Sounds + Pravda + Le Vent d´est + Lotte in Italia + Vladimir et Rosa + One P.M. + Schick + Letter to Jane: An Investigation About a Still + Ici et ailleurs
* Año: 1968-1974
* Directores: Jean-Luc Godard, Jean-Henri Roger, Groupe Dziga Vertov, D.A. Pennebaker, Jean-Pierre Gorin
* Actores: Gian Maria Volontè, Allen Midgette, Cristiana Tullio-Altan, Jerome Hinstin, Paolo Pozzesi, Yves Afonso, Jean-Luc Godard, Marty Balin, Amiri Baraka, Juliet Berto, Jane Fonda, Jean-Pierre Gorin


Previsto su lanzamiento: 25 Mayo 2008

ANTONIO MAENZA

un completo desconocido, un loco creativo, un genio incomprendido, ... un jonas mekas español. anotnio maenza fue un director de cine en formato de 16mm y super 8 a finales de los convulsos años 60. completamente al margen de los circuitos oficiales y de las tendencias o escuelas representativas de esos años, como aquellos "mesetarios" herederos de las jornadas de salamanca o los "modernos" de la escuela de barcelona y toda su gauche divine, realizó un cine muy personal, con rasgos inauditos en nuestro país y que en pocas ocasiones han conectado con alguna otra figura de nuestro cine, tal vez con el nunca bien valorado gonzalo suarez de sus primeros filmes o el iván zulueta del super 8. además de la figura de pere portabella que con sus filmes 59 ayudo a conseguir fuerzas y apoyos para darnos a conocer sus películas, así como para relacionarlo con parte de los jovenes autores catalanes del momento con los que entablo amistad, gente como felix de azúa, juan benet, hernique vila-matas o vicente molina-foix.

hay poca información sobre él y su obra a lo largo y ancho de la red, y por supuesto es imposible encontrar alguna de sus obras en cualquier tipo de formato. pero he recopilado una serie de textos y enlaces sobre la mítica figura de antonio maneza ...

breve descripción de sus figura y obra

Antonio Maenza (Cella, T., 1948 - Z. 1979). Realizador de cine de vanguardia. Realizó estudios en la Universidad de Zaragoza. Maenza en cine es un auténtico autodidacta con más intuición que habilidad; no obstante, su extraña y poderosa personalidad le hace ganar voluntades. Su idea del cine, fantasiosa y mítica, gana la confianza del Departamento de Actividades de la Universidad y logra una subvención que, junto a otras ayudas particulares de amigos zaragozanos, le permite rodar su film underground titulado El «lobby» contra el cordero, donde anima una larga historia (cuatro horas largas de proyección), que ensayaba una ficción caótica («documentales incorporados, escritos sobre el celuloide, retazos-detritus de films comerciales procesados y coloreados a mano», como resumía el propio Maenza, con sentido del humor), caótica y pop, cuyo espíritu apunta hacia complejos de autoridad paterna, sociales y políticos, con la incorporación masiva de símbolos no demasiado bien asimilados por su autor, que tienen mucho que ver con el surrealismo de Buñuel y los deseos «epatantes» de todo joven con ansias de llamar la atención.
Desplazado a Barcelona, los intelectuales catalanes le apoyan entusiásticamente al principio (Pere Portabella le produce un film), pero cansado ya, Maenza se traslada a Valencia, en cuya ciudad reanuda sus actividades cinematográficas en el campo de la experimentación y la vanguardia. Su muerte es otro episodio, casi tan fantástico como su propia vida: se dice que fue internado en un centro psiquiátrico y se apunta también la posibilidad de que fuera un suicidio. Con la muerte de Antonio Maenza el cine perdió un realizador fascinante de verdad.
En VI-1991 afloraron materiales fílmicos supuestamente maencianos en Barcelona. Pablo Pérez y Javier Hernández, que habían estado tras la pista, confirmaron que se trataba de las copias finales sin sonorizar de El «lobby» contra el cordero y Orfeo filmado en el campo de batalla, y se responsabilizaron de un plan de recuperación y estudio de la obra de Maenza que les encargó el Departamento de Cultura del Gobierno de Aragón en 1993. El primer resultado de la investigación fue la aparición de los documentos y escritos del turolense en Valencia (los conservaba el profesor Vicente Ponce) y del copión del largometraje Hortensia, ubicado en el Archivo de Pere Portabella desde 1969. Todos estos materiales fílmicos se restauraron, se preservaron en copias de seguridad y se estudiaron minuciosamente. El resultado es el monográfico de los citados estudiosos Maenza filmando en el campo de batalla (Gobierno de Aragón, 1997) y la publicación de la novela Séptimo medio indisponible (Mira Editores, 1997). Este proceso ha desvelado no solamente un material bastante desconocido, sino a uno de los cineastas más radicales y complejos del cine independiente de fines de los sesenta en España.
• Filmografía: 1968-69: El «lobby» contra el cordero; Conversaciones con Luis Buñuel. 1970: Beance. 1973: Orfeo herido en el campo de batalla. 1974: De la Cábala nueve en dieciséis para cuatro en ocho.
• Bibliog.: Fernández, Lluís: «Antonio Maenza, la muerte del underground»; Ajoblanco, n.° 52, febrero, 1980. Palacio, Manuel, y otros: Muestra cine experimental español; Aula de Cine, Universidad Complutense, Madrid, 1981. Pérez, Pablo y Hernández, Javier: Maenza filmando en el campo de batalla; Gobierno de Aragón, 1997.

artículo sobre antonio recogido del blog de anton castro

ANTONIO MAENZA. EL MALDITO MODERNO

El escritor, productor, guionista, crítico y realizador de cine Augusto M. Torres publica en Huerga & Fierro un libro sobre “Directores españoles malditos”, entre los cuales figuran los aragoneses Antonio Artero y Adolfo Aznar, pero también Adolfo Marsillach, Iván Zulueta, Félix Rotaeta, Antonio Drove, Jesús Fernández Santos, Claudio Guerín (que falleció por cierto en un accidente, mientras rodaba en Noia, A Coruña) o él mismo, pero también Azucena Rodríguez, Vicente Molina Foix, Antonio Betancor (autor de “Valentina” o “1919”, inspiradas en “Crónica del alba” de Sender, o “Mararía”), José Luis Guerín (que obtuvo un gran éxito con “En construcción”), Fernando Méndez-Leite, Miguel Picazo o Armand Guerra, cuya “Carne de fieras” (1936) restauró la Filmoteca de Zaragoza. Dice Torres, en una advertencia al lector, que el libro aborda los directores españoles “que, a pesar del interés de una o varias de sus películas, nunca han triunfado en el terreno del cine, a los que denomino malditos porque es una palabra que me gusta y que, además, los editores consideran muy comercial”. Recuerda que quiere ser una “obra de consulta” que nace de la casualidad. Lo más sorprendente es que en el volumen, de 376 páginas, no se incluya a un auténtico maldito como Antonio Maenza, el realizador turolense que rodó “El lobby contra el cordero”. Maenza y Artero, Artero y Maenza, son nuestros malditos por excelencia. Por ello, a modo de complemento y de recuerdo de ese “moderno maldito”, incorporamos al blog un breve recuerdo de Antonio Maenza, bien estudiado entre nosotros por Javier Hernández y Pablo Pérez.

Aragón también ha tenido cineastas vanguardistas, de vida fugaz y una imaginación atropellada, que lo mismo descubrían la música moderna, la canción de autor, el estructuralismo, la poesía europea más experimental o complejas filosofías. Uno de los ejemplos más claros es Antonio Maenza, nacido en Teruel en 1948 y fallecido en 1979 envuelto en circunstancias misteriosas: parece ser que se arrojó por la ventana de su casa con funestas consecuencias. Aquel acto -hay conjeturas acerca de que pudo ser defenestrado o de una venganza entre homosexuales, con lo cual estaríamos hablando de un crimen sin paliativos-, ponía final a una existencia convulsa y maldita de universitario inquieto e inquietante, de cineasta incipiente, de moderno paranoico y crítico; no en vano, Antonio Maenza, víctima de inestabilidades emocionales, había estado en psiquiátricos y a veces su compañía recordaba el cuento de “El perseguidor” de Julio Cortázar...

otro artículo sobre antonio recogido del blog de anton castro

MAENZA: HISTORIA DE UN CINEASTA MALDITO

Uno de los turolenses más sorprendentes de los últimos tiempos fue el cineasta, escritor y activista José Antonio Maenza (Teruel, 1948-- Zaragoza, 1979): adalid del cine independiente, revolucionario a su modo (era claramente anarcoide y refractario a cualquier ideología), e intelectual inquietante: desde muy joven fue un gran lector, al principio de Martín Vigil, dicho sea de paso, pero luego de pensadores, psiquiatras, estructuralistas, poetas como William Blake o el Conde de Lautréamont. E incluso llevó un diario bastante suculento, en el cual apuntaba sus minúsculas frustraciones, sus descubrimientos o anotaba matices de su personalidad: "Soy muy sensible a lo bueno y más a lo bello. Sensible a la sensibilidad". También refería cómo lo sosegaban la comunión o el rosario o cómo se le pasaba por la cabeza la idea de meterse cura. Poco más se sabe de su niñez turolense. Su padre tenía una tienda de colchones. Veneró siempre a su madre: cuando falleció en 1971, en José Antonio Maenza se recrudeció el complejo de Edipo. Iba al cine más por pasatiempo que por otra cosa, le interesó mucho El Evangelio según san Mateo de Pasolini y ya era muy proclive a las depresiones. Tampoco soportaba que no reconociesen su madurez.
En Zaragoza, cuando ingresó en la Universidad, halló el caldo de cultivo ideal para desarrollar una personalidad apabullante y a la vez devoradora. Aquí se encontró con el escritor y editor Enrique Murillo, que realizaba el servicio militar. Padre de gemelos, Maenza y él robaban ayudados por el carro en la librería Hesperia de Luis Marquina. Maenza fue toda su vida un cleptómano: robaba libros (Marcuse, Eco), objetos, recuerdos allá donde podía; a su amigo Ignacio Prat, al que respetaba y admiraba por su inteligencia y sensibilidad, le sustrajo una antigua daga con sangre sarracena; al fotógrafo Xavier Miserachs, un abrigo; a Enrique Vila--Matas, un pantalón y una camisa, en los tiempos de la gauche divine, de Bocaccio y de gran promiscuidad erótica. Al parecer, Maenza, era homosexual...