SEGUNDO ANIVERSARIO BLOG RETROALIMENTACIÓN

Los amantes del pop estamos de enhorabuena, el blog retroalimentación de javier becerra cumple su segundo aniversario y además lo celebra con fiesta/concierto.

el viernes 16 de abril de 2010 estarán tocando en directo en la sala le club de a coruña los grupos franc3s y telephones rouges a partir de las 22:30 y a un precio simbólico de 4€

espero que os guste el cartel que hice para la ocasión... mi homenaje a aquellos tiempos de fanzines fotocopiados, cuando todavía no conociamos el photoshop y el illustrator y todo lo que había era tijeras y cutters. fotos de revistas y recortes de parrafos hechos a maquina de escribir y compuestos a nuestra manera.






sala LE CLUB
rey abdulah 13
a coruña
viernes 16 de abril
22:30
4€
franc3s
telephones rouges

+ info: retroalimentación

LA NOTTE

le toca el turno a la notte. un clásico de michelangelo antonioni que referenciamos en el feedback y hoy recuperamos para que todos podais volver a disfrutarlo,además ahora ya está editado en dvd en españa y será más facil que todos podamos hacer una revisión de esta gran película que tanto impacto causo en su momento y que ahonda en lo profundo de los sentimientos y las interioridades humanas.

la notte y algunas cuestiones sobre la incomunicación humana

"En 1960, año en que se rodó esta película, Michelangelo Antonioni gozaba de cierto prestigio, todavía, entre la crítica y el público más exigente europeo. No era Fellini , al que todo el mundo adoraba desde "La Strada" , pero no se trataba de un muchacho cualquiera que hacía películillas. Gracias a esta popularidad ganada a pulso ese mismo año en el festival de Cannes con su anterior película "L'avventura" , abucheada y vitoreada a partes iguales, y después respaldada mayoritariamente por los cineastas e intelectuales incluso con una carta abierta promovida por su maestro Roberto Rosellini que le sirvió para acabar llevándose el Premio Especial del Jurado y el prestigio suficiente para poder trabajar con las dos estrellas emergentes del cine europeo y a la postre, desde mi punto de vista siempre muy subjetivo y afectuoso, del cine mundial. Hablo de los protagonistas del filme "La Notte" , Marcello Mastroianni y Jeanne Moreau . Dos grandes mitos y actores superlativos, Marcello venía de protagonizar la obra maestra de Fellini “La Dolce Vita” y la Moreau acababa de ser la amante despechada en dos de las mejores obras de Louis Malle , “Ascenseur pour l'echafaud” y “Les Amants” .

El argumento de “La notte” se sustenta sobre una serie de temas fundamentales en el cine de Antonioni , la incomunicación de los seres humanos, el dominio de lo urbano, la fidelidad en la pareja, la deshumanización de los entornos, ...

A través de dos figuras contrapuestas, Lidia y Giovanni, la pareja casada pero sin hijos que se siente insatisfecha tanto en su matrimonio como en su vida laboral, aunque tanto ella como él, aparentemente, no lo demuestren y su vida transcurra de manera relajada, fluída e incluso plena de éxito. Así, la película comienza con el reconocimiento de Giovanni como escritor superventas. Un hombre de carácter débil, proclive a la tentación de la infidelidad e insconciente de la situación de crisis que asola su matrimonio. Un personaje interpretado por Mastroianni en un registro algo alejado de su habitual en otras películas italianas, pero sí con un punto muy importante de seducción, aunque con total ausencia de malicia, pero no por ello menos culpable de lo que le ocurre a su vida.



Antonioni en su atracción hacia el género femenino y su total identificación con ese sexo, dota a la mayoría de personajes masculinos de sus películas un carácter de secundarios en su paso por la vida, de ignorantes en manos del azar y de ciegos frente a las realidades y cuestiones básicas de la existencia. En un juego de contraposición a las mujeres, superconscientes, ultrasensibles a todos los avatares de la existencia hasta llegar al tema fundamental de la incomunicación. Incapacidad de comunicación. Dos personas, dos mundos, dos visiones. El hombre que sólo ve lo superficial y para el que una casa es una casa. Y la mujer omnisciente que observa todo, que ve como una casa se puede convertir en una opresión gigante.



Lidia, genialmente interpretada por Jeanne Moreau , es el prototipo de heroína del mundo de Antonioni. Una mujer fuerte, consciente desde el primer momento de la situación que atraviesa y profundamente dolida por el desarrollo de los acontecimientos. El director nos la muestra, ya al principio, en un plano agobiante casi aéreo, diminuta entre rascacielos, encerrada en un laberinto de cemento que son los edificios de una urbanización moderna, metáfora clara de su aislamiento y agobio existencial, en su vida tranquila de mujer casada sin hijos ni preocupaciones aparentes, pero también sin el apoyo de un marido casi siempre ausente y que por su trabajo, posición social o lo que sea, no es el marido que a ella le gustaría o soñara.

Pero, ¿qué es lo que hace importante a esta película? “La notte” pertenece a una trilogía formada por la anterior “L'avventura” y cerrada por la siguiente “L'eclisse”, llamada trilogía de la incomunicación, que con la posterior “Il deserto rosso” conforman el nucleo fuerte de la filmografía de Michelangelo Antonioni y están dedicadas sin discusión a la MUJER. Ya que ella, sus personajes femeninos tan bien interpretados por Jeanne Moreau o, casi siempre, por su musa Monica Vitti , son las observadoras de la realidad que interesa a Antonioni, son los ojos y la voz del propio director, y reflejan sus inquietudes y sus inclinaciones. Revelándose como personajes que contemplan el entorno, que la mayoría de las veces les es hostil. Fábricas, rascacielos, maquinas, la idea de deshumanización y de avance de la civilización que tanto atraía a Antonioni y que tanto rechazaba y le asustaba.



Así, Marcello puede caminar distraido por las calles laberínticas repletas de rascacielos e incluso comunicarse con ellos y los que allí habitan, ignorante como quien camina por un decorado. Y Jeanne , en el personaje de su mujer, no puede dejar de sentirse minimizada y casi pisoteada por ese entorno, que no puede dejar de contemplar. Incluso el director muchas veces nos muestra su visión del mundo desde las espaldas de Lidia, sin la expresión de su cara, sin ver claramente sus emociones, sólo los objetos que ella observa; que desde ese momento adquirirán los sentimientos que el director quiere expresarnos. En unos planos que ya, para algunos, se han hecho famosos y que se contraponen a los más míticos todavía planos de Ingmar Bergman de los rostros de sus actrices formando ángulos y ocupando en primer plano toda la pantalla. Algún crítico, en su momento, comentó a raíz de este tipo de planos de las espaldas de la protagonista algo así como: “¿Cómo vamos a entender lo que le ocurre al personaje de Lidia si en ningún momento podemos ver su rostro?”. Esto es, claramente, una exageración, pero sí es cierto que lo que interesaba reflejar a Antonioni o lo que buscaba era que las emociones, el aburrimiento o la ambigüedad fuesen lo único expresable físicamente por sus personajes o actores, a través de la expresión facial y sus gestos corporales. Y que chocase con la puesta en ecena, usando los dialogos para ocultar los verdaderos pensamientos, que nunca serían plenamente revelados, y que cada espectador tendría que rebuscar en sí mismo y decidir cuales serían. Quitando su propia conclusión de los acontecimientos vistos en la película. Sumado todo esto al hecho de que estos acontecimientos son expuestos en un orden aleatorio y con saltos temporales indefinidos entre ellos. Rasgo definitorio del estilo Antonioni. Toda la película se compone de escenas separadas temporalmente, y aunque transcurre todo en un sólo día y toda su noche, no tenemos constancia intencionadamente por parte del director, del tiempo transcurrido entre escena y escena. Además de carecer de aparentes nexos de unión entre ellas, a no ser de la presencia de los actores protagonistas. Vemos así, al principio de la película, al autor firmando libros en un acontecimiento social, luego una escena en una visita a un amigo enfermo a un hospital, a continuación un paseo largo y pesado de la mujer que transcurre de lo nuevo y urbano, a lo viejo y añorado del pasado. Para después entrar en una fiesta nocturna que actuará de catalizador de muchos de los sentimientos ocultos en los personajes y que nos llevará a un desenlace al amanecer de esa noche que nos conmoverá o nos dejará indiferentes, dependiendo de nuestro grado de implicación en las imágenes que el maestro Antonioni nos propone.

GUILLERMO ARIAS (septiembre 2004)"

enlace al artículo original en elfeedback-zine: la notte

PIERROT LE FOU

ahora que el feedback se ha convertido en un archivo permanente de críticas, artículos y entrevistas lo visito con curiosidad, para refrescarme la cabeza sobre algún disco, de manera nostálgica reviso casi siempre la sección de cine, muy escasa, lo sé, pero mirando el contenido de los artículos y ahora que centramos la atención en los blogs, me he propuesto recuperar, rescatar y maquillar algunos de los artículos que escribí para el feedback, no hace mucho todavía.

empezando por el artículo en el que hablaba de pierrot le fou, la obra clave en la carrera cinematográfica de jean-luc godard. un director amado/odiado por muchos y que no deja indiferente. uno de los pocos que se mantiene fiel a su idea del cine por muchos años que pasen. quizás el más radical de cuantos cineastas hayan existido y faro de muchos otros francotiradores que han intendado explicar el cine a través de la vida y no al revés.



en su momento me propuse recopilar información, revisar parte de sus obras y redactar el artículo, en mayusculas, un repaso a su obra, una salpicadura de anécdotas, lo que fuese, pero no lo conseguí, nunca tuve el tiempo suficiente o la fuerza y valentía para atreverme a explicar con mis palabras lo que suponía para mi quedarme "sin aliento" o "vivir su vida". además consideré que existe suficiente bibliografía procendente de todos los ámbitos cinematográficos, desde la crítica, los analistas, los historiadores e incluso desde el arte como para intentar acercarme ni de refilón a grandes del pensamiento como noel burch, jacques derrida o susan sontag.




el artículo:

pierrot le fou - una chica y una pistola

"Obra magna de la corriente estética francesa de finales de los años cincuenta denominada Nouvelle Vague, PIERROT LE FOU , casí supuso el fin de todo aquel sueño de nuevos cines que se desarrollaron durante los años cincuenta y sesenta, renovando y rejuveneciendo el cine hasta la fecha, con su bajada a la calle y aligeramiento de las camaras y decorados y su rotura del relato clásico y el acartonamiento del cine teatro de “qualité” realizado en los años anteriores.

La figura de Jean-Luc Godard es tan significativa e importante para el devenir del cine moderno que he decidido centrarme esta vez en una sola de sus películas, ya que mi intención era realizar un artículo sobre la figura de Godard , pero todavía se me antoja una tarea compleja y demasiado extensa. Así que lo dejaré para más adelante y me centraré sólo en la historia de PIERROT LE FOU, la película que a mi entender cierra una etapa y hace de llave con la siguiente en la excelente filmografía de Jean-Luc Godard . Una primera etapa de homenaje al CINE que formarán sus ocho primeras películas de 1959 a 1965 ( “À bout de souffle”,”Le petit soldat”,”Une femme est une femme”,”Vivre sa vie”,”Les carabiniers”,”Le Mepris”,”Bande à part”, “Une femme marièe” y “Alphaville” ) en las que fluye el cine negro, el musical americano, el expresionismo alemán, la ciencia ficción, homenajes al cine mudo y mucho AMOR. Y una segunda etapa de cine POLITICO (a veces terrorismo, sociología, ensayo, filosofía o pura propaganda) que formarán todas las películas rodadas durante los enfrentamientos de mayo del 68 y sus años de lucha comunista anteriores y posteriores dentro de los colectivos Dziga Vertov y que cubren el intervalo que va de 1965 hasta 1975, más o menos ( “La chinoise”, “Loin du vietnam”, “Week-end”, “Le gai savoir”, “One plus one”, “Lotte in italia”, “Wladimir et Rosa”, “Tout va bien”, ... )



Para PIERROT LE FOU, Godard escogió la novela policial de Lionel White “L'Obsession” y a Jean-Paul Belmondo (un actor con el que ya había trabajado en su opera prima “À bout de souffle” y en el musical moderno “Une femme est une femme” ) en el papel desdoblado de Pierrot (el lado aventurero) y Ferdinand (la condición intelectual) y a la pareja del director y musa en aquella época, la también actriz Anna Karina (protagonista de la mayoría de sus películas de los primeros años sesenta como “Le petit soldat”, “Une femme est une femme”, “Vivre sa vie”, “Bande a part” o “Alphaville” ), en el papel de Marianne Renoir (en homenaje al pintor impresionista Auguste Renoir , padre del famoso cineasta Jean Renoir, autor de títulos tan importantes para la historia del cine como “La regla del juego” o “La gran ilusión” ).

Una fuga anárquica de dos personajes en dirección al mar como una especie de último refugio romántico. La película no sigue naturalmente el libro. Nunca sucede así en las películas de Godard que entendía el argumento de sus filmes como punto de partida para un trabajo de libertad en el que se superpusiesen las palabras a la acción, ya sea mediante los diálogos, juegos de palabras, lecturas, canciones o inscripciones sobre los fotogramas; las imágenes sobre los sonidos y colocando al CINE en el centro de la cuestión, o la política (todo el cine es política) o el amor como punto central de atención. En este sentido, PIERROT LE FOU es una película LIBRE. Una película que tiene toda la libertad que tiene que tener el cine, entendido así por Godard o el propio Samuel Fuller , cineasta americano que aparece por un momento en la película para darnos su definición del CINE: “Una película es como un campo de batalla. Hay AMOR, ODIO, ACCIÓN. En una palabra, EMOCIÓN”.



En lo narrativo, PIERROT LE FOU no para de cuestionarse el sentido de las relaciones entre el hombre y la mujer, pero formalmente se dirige hacía nuevos sentidos visuales. Como ya en las primeras escenas nos demuestran las imégenes que ve y lee Ferdinand en su bañera en un libro de arte que habla de Velazquez y dice: “Depués de llegar a los 50 años, Velazquez ya no pintaba nada concreto y preciso. Vagaba por el mundo material, lo penetraba, como lo hacen el aire y el crepúsculo...”. PIERROT no sigue un orden canónico. Si la historia, el argumento es a pesar de todo tradicional (dos amantes que se encuentran y se separan, envueltos entretanto en un enredo policial donde hay traficantes de armas, complots y asesinos), la forma en la que esta contada, por el contrario, avanza por interrupciones, fueras de campo o por la alteración del orden temporal de los acontecimientos a través del montaje. Dando por resultado varios niveles de lectura, con interferencias de elementos de muchos ordenes. Por ejemplo, planos de pinturas, comics, publicidad o plabaras, la aparición de un figurante que se presenta a la cámara y que nada tiene que ver con la acción principal o uno de esos planos ya famosos de Jean-Paul girándose hacía la cámara y “brechtianamente” dirigiéndose al espectador y después explicandoselo al personaje de Marianne.

Los contrates son permanentes. Los colores, sobre todo el azul y el rojo omnipresentes en toda la película y de marcado carácter pop-art, caracterizando los estados de ánimo de los personajes. O el contraste entre los personajes principales, la mujer “de acción” y el hombre “contemplativo” . Situación que descubre esa dualidad del hombre – del personaje de la película – con dos nombres dependiendo de su estado, Pierrot (el lado aventurero que gusta a la mujer y que menos le gusta al hombre – por eso durante toda la película la vemos a ella llamarle Pierrot y él contestando “mi nombre es Ferdinand” -) o Ferdinand (su lado más encerrado en los libros, mucho más contemplativo y de carácter intelectual).

Una película de necesarios multiples visionados (ya sea por gusto y fascinación, o por incompresión) y de muy escasas oportunidades de ser vista, ya que todavía no se encuentra editada en dvd, aunque se programa a menudo en cine-clubs o filmotecas y estuvo editada en vhs en versión original subtitulada. Pero ante todo “verdad a 24 fotogramas por segundo” al igual que la vida."



PIERROT LE FOU (Francia – Italia, 1965)

Director: Jean-Luc Godard ; Argumento: Jean-Luc Godard segun la novela de Lionel White “L'Obsession” Fotografía: Raoul Coutard ; Música: Antoine Duhamel ; Interpretes: Jean-Paul Belmondo, Anna Karina, Dirk Sanders, Jean-Pierre Leaud, Laszlo Szabo, ...

GUILLERMO ARIAS (julio 2004)

enlace al artículo original: |||: PIERROT LE FOU - una chica y una pistola ||

HEAVENLY: HEAVENLY VS SATAN

heavenly vs satan es el primer minilp de heavenly, que editó sarah records en 1990 como referencia 603 del mágnifico sello que todavía nos fascina. era lo siguiente a su primera etapa como talulah gosh. y recogía ese espíritu del c-86 y todo el anorak pop, mezclandolo con un punk ramoniano con destellos de colores de la época de los grupos de chicas, de la motown y del mundo de phil spector.

os pego a continuación un extracto de la crítca que hicimos en el feedback a este disco y otro trocito de un articulo sobre ellos en el fanzine de rafa skam. Así como el video de our love is heavenly y el enlace para la descarga del minilp que encontré por ahí

""Heavenly vs Satan" (1990) fue su primer LP como HEAVENLY. Varios miembros de Talulah Gosh seguían, ¿ por qué cambiar el nombre si la música no iba a ser muy distinta? No sé, pero yo lo agradezco para que no se mezclen las canciones de uno y otro grupo. Es el mejor de todos sus discos y el más consistente. Posteriormente han compuesto canciones fantásticas como “C is the Heavenly option” (¿su cumbre?), “Atta Girl” (¿su cumbre?), “PUNK Girl” o “Modestic”, e incluso en sus nuevos grupos las hay, más en Marine Research que en Tender Trap, pero cada nuevo disco en conjunto no deja de producirme la sensación de ser peor que el anterior."

enlace al feedback

our love is heavenly

"El primer mini-album fue "Heavenly vs. Satan" (90), una portada verde y dorada y unos coros de apoyo a cargo de The Catherines of Arrogance, unas amigas del barrio de Amelia. Y, sobre todo, unas canciones magistrales. Desde el inicio con la divertida "Cool Guitar Boy" (pieza que mejor describe la histeria fan adolescente por un guitarrista guapo), se pasa por la tierna y desvalida "Shallow", la bailable "Lemonhaired boy", la arrogante "Don’t be fooled" o la ramoniana "It’s you". Se pasan por tantos estados de ánimo que tan sólo 8 canciones llegan a convertirse en una montaña rusa donde no se sabe muy bien si se va o se viene. Si acabar pensando que el mundo es maravilloso o que el amor es una mierda, pero así es la vida y Heavenly no hacen más que describirla."

fragmento del nº 1 del fanzine yellow melodies de rafa skam

descarga directa: heavenly - heavenly vs satan(rapidshare)